后摇的自由与局限

言之・LUO・2014-02-11

  • 01. Staralfur
    Sigur Rós
    00:17 / 05:20
    Hvarf/Heim

    Staralfur

    艺人:Sigur Rós

    专辑:Hvarf/Heim

    00:00 / 05:20

 

很多时候,无论是作者还是聆听者,并不需要对音乐分类,性之所致,高兴就好。但听的多了,难免会有比较,尤其在音乐风格越来越杂糅的当下,想要在人群中区分出两位不同的音乐人,必须要给个说法。这就是分类的必要性。

 

那么,后摇作为越来越受人们喜爱的音乐风格,它的来源、发展和特点,分别是怎样的?换句话说,当我们在谈论后摇时,我们究竟在谈论什么?

 

后摇名称的来历:

 

1994年,美国村声杂志刊载了一篇由英国乐评家西蒙•雷诺兹(Simon Reynolds)所写的文章。他在文中便首次以“Post-Rock”一词,暂时统称当时一些勇于突破现有摇滚乐定义的前卫团体。没想到,过没多久,一些音乐杂志便以“Post-Rock”来正式称呼这群致力于摇滚乐新美学的新生代乐队。 

 

虽然从上世纪70年代开始,然而,“后摇滚”这个名称被正式采用,则还是后来英国《Wire》音乐杂志持续有系统的用“Post-Rock”一词做大幅度的介绍报导后,整个所谓的“后摇滚运动”才慢慢地传开来。

 

后摇的基本概念:

 

如果说“后摇滚”音乐便如同“后现代主义”相对于“现代主义”的反动,那么它主要便是企图颠覆摇滚乐的基本概念与传统架构,或是甚至针对整个所谓音乐工业的运作做出一种消极的反抗。

 

譬如说,同样是玩电吉他、鼓及贝斯的摇滚团体,但换到玩“后摇滚”的乐手中,却可能完全转变成另一种完全不同的创作观念。简略地说,所谓“后摇滚”其实就是在用现代摇滚乐队的形式,在追求氛围、结构,那些早已被流行音乐所抛弃的东西,颠覆了传统摇滚音乐创作的模式(如主旋律-桥段-主旋律-桥段)。

 

了解PostRock的意义可能要从上世纪90年代的蒙特利尔新音乐运动中寻找答案,在蒙特利尔的小酒馆里一些前卫音乐家们抛弃了三四分钟的音乐长度,重复的AB段,一切让流行音乐走向巅峰的元素。他们关注的是音墙,层次,配器,或者说一种全新的音乐美学。

 

后摇的特点:

 

首先,后摇是一种音乐上的绝对自由,是对陈旧作曲结构的抛弃。这种音乐风格为乐界带来一大口新鲜空气。有人评论,上世界90年代初,摇滚正式宣布死亡,但是后摇却证明了音乐也可以重生。尽管如此,后摇的“自由”也是相当有限。而且,它的“限制”也正是后摇音乐人自身的“画地为牢”。他们本拥有一面广阔无垠的画布,他们本可以尝试任何混音技术、任何风格、任何事,创造一些新东西。但事实上如今后摇界还是那些标准输出:标准的乐队们和不变的产品。也许你觉得“乐队之间当然不同啊”,要想发现这个事实,你需要听大量的歌,一遍又一遍。不是把它们当做打牌时的背景音乐,而是要全神贯注心无旁骛地听。你会发现,其实只有那么几个乐队可以真正运用那种“自由”。其余的一大堆,无非找到了“某种声响”,然后把它放进他们的所有歌里。


理想化讲,你可能会说后摇人做后摇并没有一个固定的体裁构架,只有音乐必然的走向。而这个方向的起点:“三大件儿”+人声,现在实际上是个非常模糊的概念。“三大件”的意义都因人声而受削弱——在大多数情况下甚至完全没有。应该注意到的是,吉他,原先用于制造所有后摇的旋律、音调的工具,现在却毫无用处。如今的状况是“奇怪声响”的泛滥。作曲结构也是模糊的:没有副歌,没有主歌。主旋律可以在整首曲中发展,在结束时达到高潮,或在一首中多次高潮,或在最愉悦的时刻被截掉。吉他和打击部分在不停地变化。实际上,要想说明一首后摇曲子的结构基本上是不可能的。而且,各种不同的实验乐器正广泛使用。电子设备是常见的,它们带来了后摇的“第二次浪潮”。除去这些标准乐器之外,那些次要的乐器也在应用中,例如小提琴、钢琴、小号、萨克斯等等。对很多后摇乐队来说,使用这些乐器变成了某种“怪癖”。


普遍地讲,如今只有非常少数后摇乐队会做出“清澈”的声音了,而它正是后摇第一次浪潮的特点。第一次浪潮过后,相当短时间内,后摇乐队们都开始从氛围音乐、IDM(智能舞曲)、数学摇滚、前卫摇滚、金属等音乐风格中汲取灵感。他们开始进行声音上的实验,在不同风格中寻找新元素。但是实际上,我们常常看到的,则是重复、自我重复、非原创。现在我们也能看到后摇正在渗透进其他音乐风格。



后摇简史:

 

就像其他音乐领域一样,后摇界也有过几次流派区分的浪潮。我们把它们分为第一次和第二次。但实际上,它们更像是趋势而非浪潮:后摇和后后摇。当然,我们也可以区分出“第零次浪潮”,包括了几个先锋乐队,例如Bark Psychosis(事实上,“后摇”这个概念正是1994年他们在上谈到他们的专辑时提出的)、Talk Talk、Slint。


但对这些乐队,与其称其为“后摇代表”,不如“后摇先锋”。他们打开了未来那些后摇音乐人的眼睛,给他们看“我们都能对那些普通的音乐做些什么”。实际上这些实验早有人做,例如Pink Floyd、Frank Zappa在他们那个年代做的事。

第一次浪潮:


Tortoise乐队是这一次浪潮的先锋,也是“第零次浪潮”与“第一次浪潮”之间的过渡。他们已经有了后摇的想法和特点,基础则是他们的同名专辑。可以说,那就是后摇的圣经。第二个重要的乐队是“God speed You Black Emperor!”(后来他们改叫“God speed You! Black Emperor”)。他们为“氛围后摇”奠定了基础。和其他传奇一样,总会有“排名第三的大象”。我们应该好好想想他该是谁。我们有三位候选人:Mogwai,Sigur Rós,Explosions in the Sky。很难为他们排个高下,因为他们都为后摇的发展贡献巨大。许多第二次浪潮中的乐队借用了他们的想法。除上述的几个乐队之外,第一次浪潮中还有这些乐队值得注意:A Silver Mt. Zio, Do Make Say Think,Oceansize。第一次浪潮为后摇的进一步发展奠定了基础,与此同时,它也没有沉入遗忘的尘土。现在还有许多乐队在使用他们的想法,没有任何改变。

第二次浪潮:


任何风格的第二次浪潮都会成为争论、失望、忧伤、新发现的起因。成千上万的年轻乐队都在寻找他们自己的声音。如上所述,他们中的部分乐队会原始中找到它,其他乐队则继续他们的实验,为乐界奉上颇有灵气的专辑。与此同时,许多乐队都使他们的音乐更加简单纯粹,复归到独立摇滚、另类摇滚或者其他风格。许多人开始感到后摇领域里大量的重复与音乐元素的相似,缺乏想象力和新鲜的创意。找到真正有意义的东西越来越难。总之,第二次浪潮大致在2000~2002年间兴起,而其中绝大多数乐队则在2005年后诞生。如今他们大多只有一张专辑或者EP,甚至只有demo带。多亏了互联网,乐迷之间互相分享越来越容易。许多乐队并不会发行黑胶或者CD,而是上传到网上。My Space成为了大本营。第二次浪潮有上百个代表乐队,例如Burn Rome In A Dream、God Is An Astronaut、 If These Trees Could Talk、M83、School Of Emotional Engineering 、This Will Destroy You、Ulan Bator、Ultraviolet Makes Me Sick、Yndi Halda、Youth Pictures of Florence Henderso、 Coala Pascal、I Am Above On The Left、Klever、Silence Kit、Verba等等其他许多乐队。


之前我们提到,我们想特别谈谈“与其他风格融合”这一现象。“后金属”这一概念不会让你惊讶吧?这种风格可以被形容为添加了粗重吉他、缓慢节奏、阴暗气氛和嚎叫的“后摇”。换句话说,它是“后摇”的沉淀,比后摇更柔软,更有旋律感,更“清晰”。在音乐的变化上,一切都要看这个乐队的初始时期。通常,开始玩后金属的乐队,使用一些后摇技巧后会改变他们的风格或者变成后摇乐队。例如后金属乐队Neurosis出乎意料地发行了一张后摇专辑,但在三年之后他们又回到了他们的根源。再如Shora,开始他们是个混乱硬核乐队,但是他们的最后一张专辑却是一张后摇专辑。在Emo音乐中,这种影响更明显。我们很难说这种变化是好是坏。虽然通常在限制内做事儿更好,但是要这些乐队做到它似乎有点儿难度。

DIY概念


几乎所有的后摇音乐都遵循着DIY的概念,它意味着乐队没有与那些昂贵的厂牌、制作人、经纪人签合约。他们都独立地录制、发行自己的专辑。有时那些相对成功的乐队会帮助其他乐队,有时他们会形成合作团体,合作发行专辑。但是他们的音乐从来不为商业,因为那会剥夺他们自由的精神——后摇的基本思想。此外,我们还想为后摇定义另一个重要特点:主观。所有人都能在后摇音乐中找到独属于他的东西,而且这种观点带来的改变因人而异。最主要的是,不要沉迷,不要让自己留在原地,去实验,简单纯粹地爱这种音乐,听这种音乐,让它穿过你的身体,一瞬间,它会成为你的一部分。



总体来说,后摇是一个新世界,一个充满颜色的世界。而这个世界的图景如何在你脑中浮现,主要取决于你自身对音乐的感知。

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LUO
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